L’anatomie du scénario selon Pixar. Règle n°5 : Maitriser l’art de la simplification.

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Vous avez une idée de scénario en tête, et vous aimeriez la concrétiser ?

La structure narrative vous intéresse, mais vous avez du mal à savoir comment enrichir votre histoire et maîtriser les notions dramaturgiques ?

Vous avez peut-être déjà lu des tonnes d’informations sur le sujet…

En réalité, vous cherchez simplement une synthèse de ce qui se fait de mieux en matière de storytelling.

Lorsque j’ai commencé à écrire les scénarios de mes premiers courts-métrages, c’était… hmm comment dire… intéressant 🙂

Je ne réalisais pas à quel point la structure et la dramaturgie pouvait m’influencer dans mes choix narratifs.

Et un jour je suis tombé par hasard sur les « 22 règles de storytelling selon Pixar »

Je me suis tout de suite dit : « Ok ! Ces gens-là seraient les premiers que j’écouterais, si je me lançais le défi insensé d’écrire le meilleur scénario du monde » (ouais rien que ça ! 😀 )

Mais à ce moment-là, je n’avais pas réalisé que ce que j’avais sous les yeux n’était qu’un bref aperçu de ces règles…

Un résumé extrêmement succinct, relayé sur de nombreux blogs et magazines que ne sont jamais vraiment intéressés de plus près à ces règles.

Notamment sur la bonne manière de les interpréter…

Avant de les publier à mon tour sur ce blog, j’ai d’abord essayé de remonter à la source.

C’est là que j’ai découvert que Stephan Vladimir Bugaj, ancien « Technical director » de chez Pixar (Les indestructibles, Cars et Wall-E), a écrit un livre entier pour revenir sur ces fameuses 22 règles.

Il tente notamment de clarifier les choses et d’y apporter une interprétation un peu plus juste.

Devant la richesse de cette nouvelle approche, je n’ai pas pu m’empêcher de contacter ce Stephan.

Je lui ai demandé si je pouvais en faire une traduction française officielle, et la publier sur mon blog.

Devinez ce qu’il a répondu… 🙂

Dans cette série de 22 articles, je vous propose de redécouvrir chacune des règles du storytelling selon Pixar, en adoptant un tout nouveau point de vue.

Note importante : La traduction qui suit est directement issue des propos de Stephan Vladimir Bugaj.
Le « Je » est donc celui de l’auteur à l’origine de l’œuvre.

Règle n°5 :

Simplifiez votre histoire.
Focalisez-vous sur l’essentiel.
Minimisez le nombre de personnages. Combinez-les.
Évitez les détours inutiles. Allez droit au but.
Vous aurez l’impression de perdre beaucoup de valeur.
Mais vous vous sentirez plus libres.

Ou plus simplement… Règle n°5 : Simplifiez.

Ce conseil est généralement le plus difficile à entendre et à accepter pour les auteurs. En effet, le fait de simplifier les choses, implique toujours d’enlever du contenu. Qu’il soit bon ou mauvais.

Cette considération est une façon de formuler ce précepte assez connu chez les auteurs : « Kill Your Darlings ». Celui-ci remonte à une époque bien antérieure. Même avant que l’auteur scénariste William Faulkner le mentionne dans ses travaux. Ce précepte remonte au moins à l’époque d’Arthur Quiller-Couch.

En réalité, l’idée que nous devons volontairement sacrifier des séquences, des personnages et des choses pouvant être intéressantes, dans la perspective d’enlever tout ce qui encombre l’histoire, et de la rendre plus claire pour son audience, remonte à une époque très lointaine.

Et il est vrai que parfois, il est essentiel pour votre histoire d’enlever de la matière.

Même si vous savez pertinemment que cette matière est extraordinaire.

Ainsi, de très bonnes séquences, qui fonctionnent bien toutes seules, mais qui n’apportent pas de nouvelles informations, qui cassent le rythme de l’histoire, ou qui ajoutent simplement une lourdeur inutile, doivent être retirées.

Il en va de même pour les personnages qui sont redondants. Ceux-ci doivent être combinés. Si deux personnages entrent en interaction avec le protagoniste, et que vous vous rendez compte qu’ils reflètent sa personnalité de façon similaire, c’est sans doute que ces deux personnages peuvent n’en faire qu’un seul. En particulier lorsqu’il s’agit d’écrire un scénario. Les histoires destinées à être mises en images, ont besoin d’être concises.

Chaque nouvelle séquence et chaque nouveau personnage, doit donner à l’audience une nouvelle information et de nouvelles perspectives à l’histoire. Les redondances fonctionnent très rarement lorsqu’il s’agit d’écrire un scénario. Le remplissage inutile, pourra sans doute vous aider à corriger les problèmes liés au rythme, mais l’audience remarquera toujours le manque d’intérêt et le manque d’évolution de votre histoire, au travers de séquences fournies artificiellement. Quand bien même chacune de ces scènes superflues seraient remplies d’action.

À moins qu’une séquence fasse réellement évoluer l’histoire, il y a de fortes chances que vous puissiez l’enlever de votre scénario (notez que j’ai bien parlé de « l’histoire » et non pas uniquement de l’intrigue). Néanmoins, dans un certain type d’histoire bien spécifique, avec un certain sens du rythme, des scènes purement émotionnelles, qui ont pour but premier de porter l’intrigue, peuvent être cruciales.

Mais la considération de cette règle peut aussi aller beaucoup trop loin.

En effet, il n’est pas vraiment d’usage de voir des histoires qui n’ont besoin que d’un seul personnage, faisant un monologue dans une pièce vide. Il s’agit bien évidemment d’une manière beaucoup trop simpliste de voir les choses.

Donc faites tout de même bien attention avec cette idée de simplification. Une focalisation excessive sur une démarche économe du storytelling, peut également vous inciter à retirer ce qui génère du conflit et de l’intérêt dans votre histoire (arc transformationnel des personnages, sous-thématiques, etc.). Du processus de simplification, pourrait naître une histoire qui manque cruellement de profondeur. Le rythme et le ton peuvent aussi grandement en souffrir.

Une histoire qui n’est qu’une succession d’actions et de nouvelles informations et qui ne prend jamais le temps de ralentir et de considérer ce qui se passe, risque d’accabler votre audience et de la désorienter. Le fait de « tailler » votre histoire de façon excessive, rendra finalement cette dernière aussi ennuyeuse qu’improbable.

Une histoire qui n’est pas intelligente, est au moins aussi énervante que celle qui veut trop en faire.

Ne confondez pas la recherche de l’équilibre à celle de l’astuce. Si l’équilibre de votre histoire n’est pas bon, c’est que vous êtes dans l’astuce. Les attentes de l’audience s’ajustent en fonction du type de l’histoire qui est racontée, mais également en fonction du style de son auteur (scénariste ou cinéaste).

L’intérêt de la simplification, consiste à faire la distinction entre les parties essentielles de l’histoire, et celles qui n’ont pas d’intérêt à être développées. Et puisque chaque histoire est fondamentalement différente, c’est à l’auteur qu’il revient de choisir ce qui est essentiel à cette dernière. Trouver cet équilibre est une grosse partie du travail de storyteller. Il n’y a pas « d’astuce » autre que celle d’essayer les choses jusqu’à trouver ce qui fonctionne.

Même lorsqu’il s’agit de raconter une histoire pour un certain genre, l’auteur dispose toujours de solutions plus objectives pour s’auto évaluer sur la question de l’équilibre. Cela implique de connaître parfaitement la thématique de son histoire et l’arc transformationnel de ses personnages. De telle sorte qu’il soit possible d’identifier clairement ce qui ajoute ou non de l’information. Ainsi que de reconnaître lorsqu’un personnage n’apporte aucune nouvelle perspective à l’histoire.

Vous devez également être très clair sur le ton et le rythme que vous donnez à votre histoire. Certaines histoires se prêtent davantage à des moments contemplatifs par exemple, ou encore à une grande quantité de personnages (et donc une grande diversité). Vous pouvez notamment définir le ton de votre histoire à travers des décors, ou l’établissement d’un conflit s’inscrivant sur le long terme. Même la succession de séquences avec un impact minimum, peut vous aider à définir un rythme et un ton particulier pour votre histoire. Tout cela dépend donc finalement des intentions et des besoins de votre histoire. Même si ces derniers ne correspondent pas aux attentes d’un film d’action boosté à l’adrénaline.

C’est donc précisément ce qui nous amène trop souvent à être confus vis-à-vis de certains éléments essentiels, comme la thématique ou la tonalité de l’histoire. Vous pouvez toutefois évitez les détours « inutiles » si vous êtes effectivement certains que ces derniers ne vous apporteront rien de plus. Mais cela implique que vous sachiez dans quelle direction vous allez, et que vous soyez conscient que votre démarche s’inscrit bel et bien dans l’idée d’être plus efficace.

Si vous n’avez pas une idée claire de votre thématique, de votre arc, de votre conclusion, du ton et du rythme de votre histoire, alors la simplification n’est pour vous qu’une perte de temps. Elle vous mène simplement vers votre propre échec.

Dans ce sens, le fait d’écrire une première version « boursouflée » de votre scénario n’est pas une mauvaise chose en soi. À condition que vous sentiez qu’il s’agit de ce dont vous avez besoin, pour pouvoir identifier les éléments inutiles à votre histoire, et pour simplifier celle-ci consciencieusement. Une fois que vous aurez identifié ces éléments, répercutez leur incidence sur votre prochaine réécriture.

Même si vous écrivez dans un style un peu plus « baroque », vous trouverez sans doute énormément de bénéfices dans le processus de simplification. Car ce style « baroque », la plupart du temps superflu, porté sur la surenchère et construit sur une écriture très « ornementale », implique souvent un certain gâchis, s’il ne correspond à rien de pertinent par rapport au propos de votre histoire.

Votre défi en tant qu’auteur, consiste à faire en sorte que tout dans votre histoire, soit pertinent. Même de façon très subtile. Dans cette perspective, il est effectivement intéressant de conserver les meilleures scènes et les meilleurs personnages, en fonction de leur capacité à refléter la véritable essence de votre histoire. Qu’il soit question de la thématique, ou de l’intrigue.

Par conséquent, et dans l’idée de rendre cette règle encore plus utile, je me permets de conclure par ce critère spécifique aux séquences et aux personnages :

Si un élément (séquence ou personnage) n’apporte aucune nouvelle information, aucune nouvelle perspective intéressante, rien de pertinent par rapport à l’arc transformationnel des personnages, ou encore par rapport à l’intrigue et la thématique qu’elle porte… alors enlevez-le !

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