L’anatomie du scénario selon Pixar. Règle n°21 : Ce qui est « cool » ne suffit pas.

21-toy-story

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Vous avez une idée de scénario en tête, et vous aimeriez la concrétiser ?

La structure narrative vous intéresse, mais vous avez du mal à savoir comment enrichir votre histoire et maîtriser les notions dramaturgiques ?

Vous avez peut-être déjà lu des tonnes d’informations sur le sujet…

En réalité, vous cherchez simplement une synthèse de ce qui se fait de mieux en matière de storytelling.

Lorsque j’ai commencé à écrire les scénarios de mes premiers courts-métrages, c’était… hmm comment dire… intéressant 🙂

Je ne réalisais pas à quel point la structure et la dramaturgie pouvait m’influencer dans mes choix narratifs.

Et un jour je suis tombé par hasard sur les « 22 règles de storytelling selon Pixar »

Je me suis tout de suite dit : « Ok ! Ces gens-là seraient les premiers que j’écouterais, si je me lançais le défi insensé d’écrire le meilleur scénario du monde » (ouais rien que ça ! 😀 )

Mais à ce moment-là, je n’avais pas réalisé que ce que j’avais sous les yeux n’était qu’un bref aperçu de ces règles…

Un résumé extrêmement succinct, relayé sur de nombreux blogs et magazines que ne sont jamais vraiment intéressés de plus près à ces règles.

Notamment sur la bonne manière de les interpréter…

Avant de les publier à mon tour sur ce blog, j’ai d’abord essayé de remonter à la source.

C’est là que j’ai découvert que Stephan Vladimir Bugaj, ancien « Technical director » de chez Pixar (Les indestructibles, Cars et Wall-E), a écrit un livre entier pour revenir sur ces fameuses 22 règles.

Il tente notamment de clarifier les choses et d’y apporter une interprétation un peu plus juste.

Devant la richesse de cette nouvelle approche, je n’ai pas pu m’empêcher de contacter ce Stephan.

Je lui ai demandé si je pouvais en faire une traduction française officielle, et la publier sur mon blog.

Devinez ce qu’il a répondu… 🙂

Dans cette série de 22 articles, je vous propose de redécouvrir chacune des règles du storytelling selon Pixar, en adoptant un tout nouveau point de vue.

Note importante : La traduction qui suit est directement issue des propos de Stephan Vladimir Bugaj.
Le « Je » est donc celui de l’auteur à l’origine de l’œuvre.

Règle n°21 :

Vous devez vous identifier à la situation, à vos personnages.
Être cool ne suffit pas. Qu’est-ce qui VOUS pousserait à agir ainsi ?

Ce conseil présente une reformulation de la règle 15, qui nous pousse à nous demander ce que l’on ressentirait si on se plaçait dans la situation de son personnage. Être honnête, vous permettra d’apporter de la crédibilité à des situations incroyables. Mais on suggère ici de se mettre véritablement à la place du personnage. Je vais devoir pinailler sur des détails, car je pense que cette formulation peut nous amener vers une impasse contre-productive.

En partant du principe que la personnalité de chacun de vos personnages soit clairement identifiable, vous ne pouvez pas répondre à la question de leurs actes en vous basant uniquement sur votre façon de réagir à l’environnement qui vous entoure. Pour en revenir rapidement à mon analyse de la règle numéro 15 : vous devez en réalité imaginer la façon dont votre personnage se sentira en se basant sur des traits à la base de sa personnalité et des objectifs que vous lui avez donnés. Il ne s’agit pas simplement de les faire agir comme vous l’auriez fait.

Il vous faut comprendre vos personnages et les situations, non pas par un travail de recherche purement mécanique, mais émotionnellement.

Certains protagonistes sont vos avatars et vous vous identifiez à eux complètement. D’autres sont des extensions fantasmatiques de votre propre personnalité. Ils sont ce que désireriez être. Vous vous identifiez naturellement à ce type de personnages.

Mais d’autres sont des versions pathétiques de vous-mêmes. De votre point de vue, il représentent des mises en garde contre ce que vous détesteriez devenir. Ces derniers éveillent plutôt l’empathie.

Mais si vous n’écrivez que ce type de personnages, vous tomberez rapidement dans l’impasse.

Bien entendu, il faut toujours écrire sur que l’on connaît en se conformant à sa thématique de base (c’est-à-dire le genre d’histoires qui vous viennent naturellement). Mais il est aussi très important de varier un peu la donne. en vous plaçant dans des situations inhabituelles, peuplées par des personnages qui ne sont pas nécessairement une version modifiée de vous-mêmes.

Lorsque vous créez ce genre de personnages, la problématique ne tourne plus vraiment autour de l’identification ou de l’empathie à leur égard. Il s’agit plutôt de comprendre qui sont ces personnages, et de construire des scènes crédibles, basées sur leur manière de réagir.

Si vous voulez atteindre cet objectif, vous devez amener des situation dans lesquelles le personnage se retrouve plongé de façon crédible, à cause de ses défauts, de ses forces, ou de ces besoins.

Même si cela peut ne pas apparaître de façon évidente. Ainsi, l’idée qu’un policier fasse de la danse classique peut sembler mal approprié, mais c’est peut-être ce dont le personnage a besoin à ce stade de son arc transformationnel. Des situations tout bonnement incongrues ne sont donc pas forcément mauvaises.

Par ailleurs, une action qui semble malhonnête émotionnellement à un moment donné de la vie d’un personnage, pourrait être essentielle en une autre occasion. Rappelons que le but d’un drame est de faire passer le protagoniste par toutes sortes d’épreuves afin de le faire évoluer (s’il n’en meurt pas, dans le cas de la tragédie). Cela implique que l’honnêteté émotionnelle de chaque situation, dépend avant tout du personnage. Par exemple, un narcissique qui se dévalorise, peut sembler paradoxal. Mais si son développement le fait passer de l’amour de soi à l’humilité, alors son auto-dépréciation peut être cruciale au milieu de l’intrigue, mais semblera déplacée à tout autre moment.

Le public ne s’identifie à ce type de situations, que lorsqu’il est réellement convaincu que les personnages ne peuvent se trouver dans cette situation difficile qu’à ce moment précis de l’histoire.

Il s’agit donc de bien veiller à ce que votre intrigue et le développement de vos personnage, soient toujours en phase avec la problématique que pose votre histoire.

Enfin, ne racontez jamais une histoire seulement pour qu’elle paraisse cool. Cela ne veut pas dire qu’on ne peut pas avoir un personnage de hipster ou de biker (selon l’époque). Cette notion fait plutôt référence à l’erreur commune d’écrire des personnages creux, qui ne sont finalement là que pour répondre aux stéréotypes superficiels, censés rendre plus cool ou plus passionnant qu’un autre. Autrement dit, lorsqu’on essaie de faire penser au public que ce personnage est cool, au lieu de lui conférer une véritable profondeur.

Les personnages cools ne sont pas honnêtes sur le plan émotionnel, car ils sont des stéréotypes au lieu d’être de véritables personnes répondant à des archétypes. Les mauvais films d’action connaissent tous ce genre de problèmes. On y trouve en effet un héros « ultra-capable », dont le seul défaut est le regret de n’avoir pas pu sauver tous les gentils la dernière fois qu’il est parti en mission. Mais le stéréotype typique aux comédies romantiques de la femme glaciale et ultra-professionnelle qui a simplement besoin de rencontrer la bonne personne pour qu’elle redevienne humaine, est tout aussi « cool » et creux.

Vous devez aspirer à créer des personnages et des situations qui sont assez cools pour rester divertissants (selon votre genre), mais assez honnêtes sur le plan émotionnel, pour être engageantes.

Pour aller plus loin...

Écrire et présenter un scénario est une tâche assez délicate n'est-ce pas ?
Si vous êtes d'accord avec ça, la suite devrait certainement vous intéresser...

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