5 conseils fondamentaux pour les storytellers. (Stephan V. Bugaj de chez Pixar).

Stephan-Vladimir-Bugaj

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Remarque importante : L’article qui suit est la traduction française d’un extrait de l’ouvrage « 22 rules analysed » écrit par Stephan Vladimir Bugaj. Le « Je » qui s’exprime à travers cet article, est donc celui de l’auteur et non pas le miens (Marc).

Les gens ont tendance à affirmer que l’écriture est l’art le plus personnel qui soit.
Il semble donc que chacun aborde cette discipline selon ses propres principes. Chacun peut ainsi apporter sa pierre à l’édifice vis-à-vis de l’apprentissage des règles du storytelling en général.

En réalité, le simple fait de proposer un ensemble de règles à l’attention des auteurs, apparaît comme une démarche au moins aussi importante que celle de convaincre ces personnes que vous êtes vous-mêmes un « véritable » auteur. Autrement dit, un auteur qui aurait déjà écrit des choses notables. Sur ce point, sachez que beaucoup de personnes ont tendance à laisser de côté leur parcours d’auteur, et à présenter malgré cela des règles d’écriture.

À dire vrai, le storytelling est en fait assez paradoxal. On peut clairement affirmer qu’il y a autant de règles d’écriture qu’il y a d’auteurs. Mais cette discipline est en même temps très facilement sujette à l’analyse. Ce qui amène naturellement les gens à proposer des règles et des formules pour entreprendre l’écriture « en bonne et due forme ».

Quelque soit le domaine concerné, les règles exprimées de façon synthétiques ne se suffisent jamais à elles-mêmes. La pensée et l’analyse détaillée qu’il y a derrière l’interprétation de chaque mot (aussi pertinent soit il), représentent des éléments cruciaux à la bonne compréhension de n’importe quelle affirmation.

C’est notamment pour cette raison qu’il existe pléthore de livres tentant d’approfondir l’analyse des règles qui régissent le storytelling.
Parmi les plus célèbres : « Story » de Robert McKee, « Screenplay » de Syd Field, « Save The Cat » de Blake Snyder’s. Richard Walter et Lew Hunter représentent l’approche de l’Université de Californie à Los Angeles (UCLA). David Howard et Paul Gullio défendent de leur côté les règles prônées par l’Université de Californie du Sud (UCS). Christopher Vogler fonde son expertise sur l’utilisation canalisée des concepts exposés par Joseph Campbell. William Goldman quant à lui, rejette toute forme de pédagogie traditionnelle et concentre son enseignement sur un ensemble d’anecdotes. Enfin, Linda Seger, John Truby et beaucoup d’autres, mettent en avant leur pratique de consulting…

Aujourd’hui, je peux dire que j’ai lu et assimilé presque chacun des concepts pédagogiques disponibles en anglais. Et deux choses me paraissent très claires :

  • 1. De manière générale, tout le monde dit la même chose.
  • 2. De manière spécifique, chacun défend son propre style.

Malheureusement, personne ne peut savoir à votre place quelles particularités pédagogiques fonctionneront davantage pour vous. Votre inspiration s’exprime-t-elle uniquement lorsque vous écrivez avec un marqueur indélibile rouge sur du papier de boucher ? Est-ce qu’un adjectif à tué vos parents lorsque vous étiez enfant, à tel point que vous avez juré leur faire vengeance ? Chaque paragraphe que vous écrivez, doit il forcément contenir le mot « burrito » ?
Vous êtes la seule personne à pouvoir faire le point sur ces choses.

Néanmoins, les généralités peuvent être synthétisées. Et les gens adorent les affirmations concises qui exposent de « grandes vérités ».
J’ai donc décidé de coucher ma réflexion sur le papier, et d’en extraire les règles de storytelling les plus absolues qui soient. En vous proposant ces règles, je vous économise non seulement des dépenses inutiles dans des livres, des formations ou des logiciels (Je plaisante, vous serez de toute façon obligé de faire l’acquisition de ces choses), mais j’espère également transmettre la crédibilité d’un « véritable » auteur.

1. Écrivez sur ce qui vous intéresse.

Si vous n’aimez pas réellement vos idées, personne d’autre ne les appréciera. Il n’est jamais bon d’écrire sur un sujet, uniquement parce que celui-ci semble cool ou qu’il a un potentiel commercial. Si vous ne vous sentez pas réellement concerné par votre projet, il ne vous mènera nulle part. Il vous fera simplement perdre votre temps à écrire quelque chose de mauvais. Simplement parce que vous ne vous en souciez pas assez pour en faire quelque chose de grandiose.

2. Ne soyez pas ennuyeux.

Puisque je suis avant tout un scénariste, je base mon approche sur ce que j’appelle ma « théorie de la structure sans acte » (« Zero Act Structure Theory »). Trop de débutants ont tendance à interpréter la structure narrative comme un outil visant à mettre en place les seuls moments clés qui aient réellement de l’importance dans une histoire. En ommettant la valeur de tout ce qu’il y a autour de ces moments. Une vision des choses totalement erronée. Dans une histoire, chaque moment à besoin d’être intéressant et de justifier clairement (pour vous) sa présence au sein du récit. Il ne s’agit donc pas de se pencher uniquement sur « les moments clés », comme s’ils étaient les seuls à apporter de la valeur à votre histoire. En d’autres mots, si vous savez que quelque chose à de la consistance dans votre scénario, soyez assuré que le public le saura également.

3. Soyez concis.

Les auteurs, les professionnels du milieu ou encore les enseignants en storytelling, adorent avoir leur propre opinion quant à la manière d’écrire une histoire. D’ailleurs, Elmore Leonard fait partie de ceux qui cherchent la petite bête. Concernant les règles relatives aux détails de votre histoire, sachez qu’il est avant tout question de style et de personnalité. Pas uniquement des vôtres, mais ceux de chaque histoire et de chaque personnage. Le point essentiel est de toujours dire exactement ce qui doit être dit, ni plus ni moins. En d’autres mots, vous devez déterminer strictement ce qui a besoin d’être dit en fonction de chaque cas (histoire ou personnage).

4. Acceptez la critique, rarement les conseils.

Même de « meilleurs » auteurs que vous, ignorent comment mettre à l’écrit ce que vous voulez transmettre dans votre style. À contrario, même l’audience la moins enviable, peut vous mettre sur la voie lorsque vous échouez. Vous devez adopter une approche réfléchie quant à l’analyse de la critique. Aussi souvent que les critiques seront contre vous, tout ira bien. Vous ne devez pas le percevoir autrement que comme le signe qu’une amélioration est encore possible. Dites-vous que votre « échec » est simplement la conséquence d’un élément manquant, ou de quelque chose qui n’est pas encore à sa place. N’adoptez pas une attitude défensive à l’égard de la critique. Même si une personne vous explique, de la manière la plus débile qui soit, comment et pourquoi elle n’a pas pu entrer en phase avec votre histoire… apprenez malgré tout de cette critique.
Ensuite, ne demandez plus jamais à cette personne son avis sur votre travail. Une attitude cruelle à l’égard d’un travail créatif, n’est jamais justifiée.

5. Écrivez, réécrivez, et finissez.

Écrivez aussi souvent que possible.
Il existe énormément de conseils spécifiques pour se forcer à écrire : utiliser un minuteur, écrire seul, écrire uniquement avec un stylo, boire beaucoup.
Je pense surtout que la pratique régulière de l’écriture, implique la considération d’un certain nombre de points essentiels… Peu importe que vous soyez contraints de revoir votre planning et de laisser de côté quelques uns de vos engagements, puisqu’il vaut mieux utiliser votre énergie et votre temps dans le travail d’écriture, plutôt qu’ailleurs. Ou alors vous devez accepter l’idée que « le premier jet de n’importe quel histoire, est toujours mauvais ». Dans ce cas, ne gaspillez pas tout votre temps dans la recherche désespérée d’un parfait premier jet. Accepter de mettre un point final à son histoire, c’est accepter que « la perfection est l’ennemi du bien ». C’est également être capable de s’arrêter au bon moment, lorsqu’on réalise que ce que l’on fait n’améliore pas fondamentalement notre travail.

Voilà tout ! Ce sont donc mes « 5 règles pour les auteurs. »

J’ai bien veillé à ce que celles-ci soient assez vagues, pour ne rencontrer aucun problème dans leur application.

Malheureusement, dans le domaine créatif, les règles « vagues » sont les seules à pouvoir être considérées de façon universelle. Tout le reste vient de l’apprentissage personnel et de milliers d’heures de pratique.

Ces règles semblent complètement dénuées d’une possible remise en question de leur signification.

Mais ce n’est pas tout-à-fait vrai. Les deux seules choses que tous les auteurs doivent faire, s’énoncent clairement : écrire souvent et chercher des gens pour critiquer leur travail. Et il n’y a que de cette façon que l’on devient un véritable auteur.

Peu importe les règles et les méthodologies que vous décidez d’expérimenter, votre parcours artistique vient de ces deux choses fondamentales.

Pour conclure, gardez à l’esprit que la prise en compte de ce dernier conseil, s’applique tout autant au storytelling, qu’à n’importe quelle discipline créative. En fait, j’applique exactement les mêmes règles à la réalisation de films, à la production musicale, à la conception d’effets spéciaux, au développement de logiciels et à la photographie. Qui sont d’ailleurs, pour ma part, des pratiques très liées entre elles. Mais ça, c’est un autre débat… 🙂

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