10 aspects élémentaires du cinéma de Martin Scorsese.

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Né dans un quartier retiré de New York, Martin Scorsese met le pied dans le cinéma à la fin des années 60, au moment où l’industrie hollywoodienne se retrouve au bord de la faillite. La fin de l’âge d’or des grands classiques américains et l’émergence du Nouvel Hollywood, ouvrent ainsi la voie pour le petit « Marty » et ses confrères cinéastes (Spielberg, Lucas, De Palma), vers une carrière à la progression exponentielle.

Martin Scorsese est désormais l’un des réalisateurs américains les plus reconnus de sa génération. De Taxi Driver au Loup de Wall Street, en passant par Les Affranchis ou encore Gangs of New York, les œuvres du cinéaste ont toujours réussi à séduire une grande partie du public.

Mais qu’en est-il du véritable fondement de son cinéma ? Et que dire de son intuition sans faille, sur des sujets pourtant très spécifiques ?

Dans cet article, je vous propose de découvrir 10 aspects fondamentaux, qui ont construit le cinéma de Scorsese tel que nous le connaissons aujourd’hui…

1. De l’asthme, pas un seul livre, mais beaucoup de films !

Martin Scorsese fait de l’asthme à partir de l’âge de 3 ans. Les activités physiques et les sorties avec les copains, sont donc rapidement mises de côté. Ses parents étaient des ouvriers qui ne lisaient que très peu. Seul son père lisait le journal, mais la famille ne possédait absolument aucun livre.

Dès l’âge de 5 ans, le jeune Marty se nourrit ainsi des films qui passent à la télévision, mais également des classiques d’Hollywood. Il déclare d’ailleurs que les œuvres de John Ford, Hitchcock et Orson Welles, continueront de l’inspirer tout au long de sa carrière.

2. Roger Corman : Le premier mentor.

Au début des années 70, Scorsese se plonge dans la folle industrie hollywoodienne. Il y fait la rencontre de Roger Corman, un réalisateur qui cumule déjà des années d’expérience derrière lui. En 1972, ce dernier lui propose de réaliser le film Bertha Boxcar. Martin Scorsese accepte le job, sans même avoir conscience qu’il s’agira d’une étape essentielle de sa carrière.

Il déclare en effet que Corman lui a enseigné une des choses les plus importantes pour un metteur en scène : faire un film dans le détail.

Roger Corman lui apprendra également à gérer son énergie en fonction de l’évolution du tournage. Il le poussera notamment à faire en priorité, les séquences qui s’annoncent les plus délicates.

Corman a été une telle référence pour Scorsese tout au long de cette expérience, que ce dernier déclarera finalement : « J’ai été très fier d’avoir tenu les 24 jours de tournage sans être viré. »

3. John Cassavetes : Le second mentor.

Si Roger Corman a appris énormément de choses sur les aspects méthodologiques d’un tournage, c’est finalement John Cassavetes qui poussera Scorsese à développer et à affirmer un style qui lui est propre. En évoquant le film Bertha Boxcar, Cassavetes lui dira ainsi : « T’as bien travaillé, mais t’as passé un an de ta vie à faire un film qui n’est pas bon. »

4. Marty le magicien soucieux.

Barbarba de Fina (ex-femme et productrice du réalisateur), explique que beaucoup de gens voient Martin Scorsese comme un magicien. Ils pensent qu’il fait partie d’une sorte d’école de cinéastes où la liberté règne en majorité. En réalité, il est en fait un réalisateur extrêmement soucieux du détail. Elle nous explique notamment que « le premier jour d’un tournage, il est généralement très soucieux, car c’est toujours une énorme entreprise qui se met en marche. »

5. Un rapport pragmatique et réaliste à la violence.

Le rapport à la violence dans les films de Martin Scorsese, est selon lui toujours très réaliste et très pragmatique. Il prend notamment l’exemple de Mean Streets, film dans lequel il estime avoir réellement montré ce à quoi il a lui-même assisté étant jeune. Il adopte toujours cette même démarche dans ses œuvres, comme s’il avait le devoir de montrer les choses telles qu’elles étaient.

6. Solitude, frustration, angoisse, peur…

Lorsque Scorsese reçoit le scénario de Taxi Driver pour la première fois, il a immédiatement été séduit par toutes les thématiques que le film pouvait traiter. La solitude, la frustration, l’angoisse, la peur, ont en effet permis au réalisateur de s’identifier très rapidement à l’histoire et au profil du personnage de Travis, le chauffeur du taxi.

Il explique même que c’était pour lui « comme un cordon ombilical ». Il connaissait déjà le sujet intuitivement, sans avoir besoin d’y réfléchir ou d’en parler.

En fait, Martin Scorsese se considère lui-même comme un ancien enfant marginal, sans doute en grande partie à cause de son asthme, qui l’a inévitablement poussé à moins se sociabiliser.

7. Première tentative pour la dernière tentation.

Lorsque les studios hollywoodiens annulent la production de La dernière tentation du Christ (essentiellement parce qu’aucune salle ne souhaite le diffuser à l’époque), Scorsese se retrouve « à la rue » dans l’industrie du cinéma. Il se met alors en quête de nouveaux projets et accepte finalement de mettre en scène After Hours. Un film indépendant, produit par l’acteur principal Griffin Dunne. Ce dernier sort extrêmement satisfait de l’expérience et déclare qu’il réalise à quel point ce film n’aurait jamais été aussi bon, s’il l’avait fait lui-même. Mais Scorsese reste bouleversé par l’annulation de son projet par les studios. Pour lui, la religion est un sujet qui fait partie de son enfance, et donc de sa nature propre. Il ne verra alors plus jamais l’industrie hollywoodienne de la même manière…

8. Un pas décisif.

En 1986, juste après After Hours, Scorsese est amené à réaliser La couleur de l’argent. Un film au scénario plus « conventionnel » que d’habitude, mais qui pour le cinéaste, signifie bien plus.

Ce dernier y perçoit en effet un pas décisif dans sa carrière. Après l’annulation de La dernière tentation du Christ, il voit dans ce nouveau projet, un moyen d’être réadmis dans l’industrie en tant que « réalisateur » (director).

Autrement dit, quelqu’un capable d’utiliser la matière créative d’un autre, sans jamais y avoir mis les mains, pour en faire un film supportant une star du niveau de Paul Newman.

9. Improvisation et burn-out maîtrisés.

Difficile de parler du cinéma de Scorsese, sans aborder la question de l’improvisation.

Mary Elizabeth Mastrantonio (le personnage de Carmen dans La couleur de l’argent), nous explique que Martin Scorsese est un réalisateur qui défend continuellement le point de vue des comédiens et prend soin d’eux, tout au long du tournage. Devant leur performance, il lui arrive de lâcher des remarques du genre « c’était fantastique ! mais malheureusement je ne pourrais rien en faire », alors qu’il finit généralement par le conserver dans le film.

Scorsese apprécie particulièrement quand les comédiens parviennent à aller au-delà du texte, jusqu’à même dégénérer dans certains cas. La provocation de Joe Pesci face à Ray Liotta dans Les affranchis, demeure un des exemples les plus pertinents de cette capacité qu’a Scorsese à faire dériver ses comédiens.

10. La mafia et le petit Marty.

La mafia chez Scorsese, c’est une histoire de longue date.

Cette histoire est portée avant tout par l’intérêt qu’il porte en tant qu’adulte, à la position d’un gangster à différents niveaux de notre société. Mais le réalisateur admet qu’il éprouve également un fort attrait pour ce milieu, même en tant qu’observateur. Selon lui, ce qui est réellement révélateur là-dedans, ce n’est pas tant ce qui peut être immoral, car le passage à l’âge adulte nous apprend généralement ce qui est bien ou mal. L’essentiel, c’est finalement ce que cet attrait peut révéler sur notre propre nature d’être humain.

En bonus :

Pour terminer cet article, je vous propose deux épisodes de Blow-Up, un programme court diffusé sur la chaîne Arte. Ceux-ci sont entièrement consacré à l’oeuvre de Martin Scorsese. Le deuxième est signé par le réalisateur français Xavier Giannoli (À l’origine).

 

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